Para que cierre o para que abra

Todas las páginas que leíste tienen la intención de evitar que desesperes. La idea no es poner en jaque todo lo pasado sino que va aun más lejos. Lo que cuestionamos aquí es el sentido mismo de la vida. Ese sentido que la TV nos hace creer que podemos encontrar en una “punto com” y que el que lo tiene es un híbrido, medio Elvis, medio Posmo. Si esa verdad secreta fuera tangible y tuviera un dueño ya estaría oculta en manos de nuestros amigos del imperio. Joya inexorablemente oculta en medio de la aparatología de ocasión cuyo designio no sería otro que ser reproducida y puesta en venta en forma masiva y cara, para así sostener su existencia y justificar su hegemonía. “Evitar que desesperes” decimos y tenemos la intención de quitarte todo piso posible porque la idea es que el sentido de la vida es lo que los pragmáticos consideran “el sinsentido” es decir la búsqueda en si misma. Buscamos la aproximación a la verdad histórica y la idea de verla de distintos ángulos quizás ayude a dejar menos olvidados en el camino. Para que haya menos inocentes que tengan que pagarlo todo como dicen los versos de Mujica, menos de aquellos sobre lo que “Nadie sabe” y que a ningún pueblo le vendan su “Luna”. Buscamos la construcción de una sociedad conciente de su historia social para producir individuos íntegros ya que una sociedad formada por humanos hechos trizas será una sociedad estilo frankenstein, entre vengativa y resentida, que no podrá ver en el horizonte más que la destrucción de sus creadores. Buscamos en nuestro interior y en el silencio, fuente de toda creación serena, y de ese silencio surge el poema y la fotografía que no son más que la búsqueda del instante infinito que del silencio viene y al silencio va. Por eso decimos también junto con Alejandra Pizarnik que “una mirada desde la alcantarilla puede ser una visión del mundo” porque podemos seguir buscando otras formas de buscar con la tranquilidad de saber que tendremos la gracia de no encontrar nunca.

Presentación del libro: Tristes chicas alegres - Prostitución y poder en Buenos Aires

El "Museo Regional de Pigüé"

y la Asociación Amigos

del Museo invitan

a la presentación del libro:

"tristes chicas alegres.

Prostitución y Poder

en Buenos Aires"

de la Dra.

Aurora Alonso de Rocha

obra que fundamentara

la Exposición Temporaria:

Se trata de una investigación sobre el trabajo sexual pago: la prostitución y su relación con el poder y la sociedad de la época (finales del siglo XIX y ppios. del XX).

En el salón del Honorable

Concejo Deliberante,

el sábado 13 de mayo

a las 19 hs.

Pablo Cattaneo - Liliana Herrero y Juan Falú

LEGUIZAMON-CASTILLA

Liliana Herrero y Juan Falú

EPSA MUSIC-BAM Y Circo Beat (2000)

Alfredo Juan Falú es un músico y compositor Argentino, nacido en Tucumán, y reconocido en el mundo. Sus obras y participaciones con guitarristas de distintas latitudes han sido editadas en Francia, Bélgica, Brasil y, por supuesto, Argentina. Podría explayarme acerca de sus laburos con Marcelo Moguilevsky, la pianista Hilda Herrera, Laura Albarracín entre otros o su participación en las distintas ediciones del Festival Guitarras del Mundo, pero eso es materia ya conocida. En esta oportunidad quiero hablarles acerca de un trabajo (uno de los..) con Liliana Herrero, entrerriana de Villaguay, artista referencial de nuestra música a fuerza de creatividad y talento enormes. También habría material para contarles sobre la Herrero desde aquel primer disco producido por Páez en el 87, tildado como "folclore supermoderno", y que contaba entre sus colaboradores al tremendo percuta Juancho Perone, ladero del también gigante Carnota, pero creo que ya hemos conversado sobre todo esto en números anteriores. Como les decía, antes de esta pequeña dispersión, el trabajo que nos ocupa aquí se llama Leguizamón-Castilla. El disco es bellísimo. Sencillamente eso. Porque, además de las interpretaciones exactas de dos artistas como Falú y Herrero, las canciones del Cuchi y Manuel Castilla lo son. "Zamba de Lozano", "Zamba del pañuelo", la trunca "Juan del Monte" (tremenda performance de Falú) son piezas hermosas y fundamentales de nuestra música y nuestra poesía, que aquí encuentran una textura sonora que las embellece aún más. Si eso es posible. Para deleite de quienes escuchamos este disco, se intercalan audios del propio Cuchi, como la intro de la "Serenata del 900" con guitarra o "El rococo" con piano. Notable realmente Fito Páez como invitado en la elevadísima "Me voy quedando". Ya sé, es redundante todo este comentario tratándose de quiénes se trata, pero algo hay que escribir no?. Adioses.

esgrima de lágrimas - Liliana Muente

La boca . Liliana Muente

Pablo Cattaneo - La Fija

 

 

Año 1996 y Luzbelito está en la calle. Para mí el último de una seguidilla impecable e implacable de discos. Desde Gulp! hasta luzbelo los laburos se sucedieron sin fisuras, el próximo honrando al anterior, asentándolo y aportando siempre algo más, cosa que pocas bandas han logrado. Luego vendrán "Ultimo bondi" y Momo Sampler", buenos laburos por supuesto, pero, en mi humilde opinión, no tan concretos, no tan "redondos". Claro, es una opinión subjetiva y, por ende, muy opinable y tal vez poco valedera. Lo cierto es que "Luzbelito" fue grabado en estudios de Buenos Aires, San Pablo y Fort Lauderdale. En baires y gringolandia la pericia técnica fue aportada por Mario Breuer, en tanto que en San Pablo estuvo a cargo de Néstor Madrid a quien, por otra parte, conociera mi amigo Iván Rosembluth y de quien me contara algunas datas interesantes que no vienen al caso citar aquí. Se nota la mano de estos muchachos. Suena tremendo. Si bien lo redondos nos tenían acostumbrados a un sonido excelente este disco suena tremendo. Lito Vitale participa otra vez junto a los ya clásicos Bucciarelli, Sidotti y Dawi. Terribles "Luzbelito y las Sirenas", "Nuotatori Professionisti" y "Cruz Diablo", hits: "Mariposa Pontiac" y "Blues de la Libertad". De este último se decía por ahí que fue grabado de una por el Indio y con algunas copas de más (por lo menos). Parte del fabulario ricotero tal vez. Poco relevante seguro. Preludio: "El infierno de Luzbelito es un espacio para nuestra vergüenza. Somos hijos de multivioladores muertos. Somos los hijos de puta que van a beber de sus aguas y, ya sabemos, los hijos de puta no descansan nunca", Zippo. Dos años después, 1998, ve la luz "Último Bondi a Finisterre". Es una apuesta fuerte. Cambio radical de estética visual y musical. Mucha máquina, lo que le da un sonido muy distinto. No puedo decir moderno porque los redondos siempre sonaron modernos. Simplemente distinto. La lírica aparece, según mi criterio, más críptica. Tal vez me resulte así porque es un disco que no he digerido todavía. No sé. Sinceramente no he podido escucharlo y escucharlo como sucedió y sucede con los anteriores. En fin. Además de máquinas están el sempiterno Vitale, Sergio Poli en violín y Juan Cruz Urquiza en trompeta como invitados (interesantísimos el timbre y los arreglos de trompeta). "Gualicho" es una linda canción nacida con destino de hit. "Alien Duce" me gusta particularmente. El preludio, al que nos tenían acostumbrados, también experimenta un cambio grosso. Se lo presenta como un menú de opciones cibernéticas tipo videogame titulado "Test para el Colono Virtual":#1: NO MUTAR; #2: MUTAR CUANDO SOLO ES NUEVO LO QUE HEMOS OLVIDADO; #3:MUTAR SI DIOS ES DIGITAL; #4: MUTAR SI SE PIENSA QUE EL NUEVO DIOS NOS VA A SALIR MEJOR; #5: MUTAR PORQUE NOS GUSTA EL BONI A FINISTERRE Y PORQUE VALE LA PENA LA LEYENDA DEL FUTURO". Para terminar con La Fija de los redondos nos queda Momo Sampler. Gloria Guerrero, de la revista Rolling Stone, decía: " Dios es todo (no puede progresar)", dice Patricio Rey. Pero Patricio, que no es Dios, progresa. Cualquiera hubiera esperado una cibermutación a partir de Ultimo bondi. No hubo tal cosa. Equilibrado y parejo, indiscutiblemente rocker, tan negro como brillante, este viaje es asunto de Momo, el rey del Carnaval. ). Lo que hay aquí son canciones para grandes, canciones adultas, grandes canciones.Y es un carnaval fiero: brincan tipos con gambas de polio; hay pastel de ponzoña salada y vinos gruesos, mal templados. Las chicas de Momo Sampler se muerden el labio, se empolvan la nariz y usan sus lenguas como un sable. Los tipos son, por lo general, moscones zumbones que quedaron atrapados en un vaso boca abajo. Rock & roll oscuro, con esa "oscuridad de bodega sin luz". Rock triste, esperanzado, hipotecado, cabrón, dejá vu de los buenos tiempos que no llegan nunca. Rock para esa murga desencantada, la murga sin la bendición. Los cuadrados tienen cuatro puntas. Y cada punta es fácil de encontrar. Los redondos, en cambio, siguen buscando la vuelta. Aquí, por primera vez, con hidalguía y en ceremonia pública, Patricio Rey ha reconocido finalmente a su hijo único: Eduardo Carlos Solari Beilinson. Y al babysitter: Hernán Aramberri, programador, quién con el técnico Eduardo Herrera cosió los samplers que oficiaron de colchón- y de cama de púas- para la escalofriante voz del Indio y las soberbias guitarras y bajos de Skay.". En tanto que en el "gran diario argentino" se decía del disco: "Momo Sampler es la mejor síntesis que podrían haber encontrado Los Redonditos para reflejar —en música y, sobre todo, en letras— el agobio, la pegajosa decadencia de la vida urbana. El Indio Solari y Skay, señores que orillan los 50, cabalgan sobre una angustia de sobrevivientes. Y, por más que la estética de comic —reforzada por las postales de Rocambole— trate de torcer la historia para el lado de la parodia y la representación, el cuento que aquí se cuenta es terrible. Y real. Solari eligió la palabra murga como símbolo de una desesperación fantasmal. No tiene nada que ver con el ritmo; es una palabra-concepto, que en La murga de los renegados dice Entre sopores, modorras ciegas / y oscuridad de bodega sin luz / va esa murga desencantada / que lleva siglos así... No da más!; en Murga de la Virgencita pinta de un modo brutal el escarnio de una prostituta; en Murga purga vuelve al vino malicioso (sos un moscón zumbón / que quedó atrapado / en un vaso boca abajo. La murga del Indio Solari es un desfile heroico de seres quebrados, un baldazo temático que va desde el meter bala de Ruckauf (Sheriff) hasta el retrato de una chica de las bravas (Una piba con la remera de Greenpeace....Cada vez más afilado en la metáfora, con sus palabras castizas, su lunfardo tanguero y sus neologismos encontrados en un pozo ciego cibernético, Solari se afirma como un intelectual beat de un rigor poético incomparable en el rock argentino".

Es poco lo que un perejil como yo pueda agregar a estos conceptos vertidos en medios gráficos tan importantes como los citados. Bromas aparte, me parecieron interesantes los comentarios, de alguna manera cónsonos con lo que se fue diciendo de esta banda a lo largo (quizás demasiado largo) de la sección. Nos despedimos de los redondos con el preludio de este último disco titulado "Momo Sampler: una orgía baja fidelidad". "Te prometemos que en la alegría y la risa del festival nadie osará dar una interpretación siniestra de tu repentina vuelta a la forma humana, Apuleyo".

Nos encontramos en el próximo número, en el cual comenzaremos a desandar el camino de la carrera solista de Peter Gabriel. Chau.

 

Ivan Solo - Luna de Avellaneda

Y bien, los días se siguen sucediendo y contra todos los pronósticos, seguimos estando.

Las incoherencias no cesan y bien dispuestos que estamos a sostenerlas.

La cuestión que traigo hoy en mente se llama Luna de Avellaneda, película de factura - no de dulce de leche o membrillo, en su defecto - sino nacional.

De movida nomás, arranca en una milonga en un club de un barrio que se llama casualmente como la película, Luna de Avellaneda. En dicho baile nace un muchachito. El nacimiento es asistido por el único médico presente en el evento, el cantor de la orquesta, de profesión ginecólogo, es decir: la personificación de Alberto Castillo. Luego hay un importante salto temporal y aparece este muchacho, ya crecido, trabajando en el mismo club del que es socio vitalicio. Es decir que para el pibe es como su segunda casa.

Todo esto que cuento no tiene como fin aburrir sino poneros en la situación en la que el film se desarrolla porque es merced a esa situación, tan estrafalaria, que el director sale con un trazado paralelo entre la situación de dicho club como entidad, y la vida de los integrantes de su comisión directiva.

El deterioro al que el club cae en caída libre, es el reflejo de la degradación de la Republica Argentina como país, y las consecuencias directas e indirectas que esto tiene sobre la vida cotidiana de la gente, en este caso los miembros de la comisión.

En esta trama está todo, el país, la vida de la gente atomizada, la sociedad fragmentada, la gente que en su desesperación cotidiana recurre a todo lo que aparece y no sabe qué está bien y qué está mal. Si lo que estaba bien, ahora da risa; y lo que estaba mal, ahora es lo que da más rating. Y el eje del que debiera emanar el ejemplo está corroído. Y si no agarrás ahora, cuando te despiertes va a ser tarde. Y que acá sobrevivie la gente práctica y entre una cosita y otra, así estamos.

Por el otro lado la comisión directiva del clu esta conformada por gente como toda la gente. El violento tironeo al que es sometida la conciencia comienza a notarse, la impotencia de las personas ante la avalancha de situaciones es mucha y es dañina y es ahí cuando comienza a notarse la confusión moral que reina.

No puede faltar el socio / amigo que se fue para arriba, y cuando la institución esta herida de muerte ofrece su ayuda que es mas bien un cuchillito en la barriga, este amigo es un amable intermediario a porcentaje.

Una vez más tenemos una muestra de muchos de los rasgos nacionales. En su espíritu me hace acordar de la película "Sur". Película que merece todo el prestigio acumulado y el que acumulará. No digo que sean iguales, simplemente el ojo adecuado para resaltar los puntos adecuados está en ambas. De la producción de Solanas hablaremos en cuanto me consiga una copia y la refresque en la memoria, así que ya saben: empiecen a escuender las copias porque sino, tarde o temprano, conseguiré una y arremeteré con nuevos desvaríos.

A título personal digo que esta, Luna de Avellaneda, es una película hecha en el estilo de los italianos, muy lejos de los plastificados, muy lejos de querer representar una realidad perfecta, donde todo sucede al vació. En este tipo de películas llega a palparse el filo grotesco de la realidad, la realidad en su faceta más representativa. Cada uno acarrea sus pequeñas miserias y sus pequeñas alegrías y algunos toman para aquí y otros toman para allá pero todos toman para alguna parte..

Por mi parte no tengo deseos de contar la película a nadie, porque es feo que te cuenten el final, únicamente se trata acercar al amable lector tanto así como a la amable lectora una breve recorrida por la trama siendo que tal vez a alguien le interese esta temática específicamente, cuestión que me recuerda que las películas que se mencionaron en esta misma sección tanto por mi vecino grafico como por el de él, en el número anterior, están en esta temática ,el estado de la sociedad , el estado de la conciencia nacional.

Será entonces hasta la próxima si Dios quiere.

Neopecatt - Nadie Sabe

NADIE SABE (Nobody knows, Daremo shiranai) Dirección y guión: Hirokazu Kore-eda

Reparto: Yuya Yagira (Akira), Ayu Kitaura (Kyoko), Hiei Kimura (Shigeru), Momoko Shimizu (Yuki), Hanae Kan (Saki), You (Keiko)

Japón-2004

Keiko y sus cuatro hijos (todos de diferentes y desconocidos padres) se mudan a un pisito de Tokio, al que arriban Keiko y su hijo mayor, Akira, con el camión de la mudanza en el que viajan los tres hijos restantes escondidos en valijas. Una vez instalados, la madre imparte claras y estrictas órdenes tales como no gritar, no salir a la calle, tampoco al balcón, con excepción de Akira, dado que el propietario del piso, que también es vecino, no debe enterarse de la existencia de los niños, ya que en ese caso no alquilaría el inmueble. Tampoco van al colegio. Ninguno de ellos. Pocos días después, Akira encuentra al levantarse una nota de su madre informándole que se ausentará por unos días y que se ocupe del hogar y sus hermanos, dejándole una suma de dinero determinada. Cuando el dinero está a punto de acabarse y se hace evidente la preocupación de los niños por la ausencia prolongada de la madre, ésta regresa, cargada de regalos y ropa, de madrugada, despertándolos a todos. Una vez despabilados, todo es alegría. Mamá está de vuelta, con regalos, pero, sobre todo, está de vuelta. Juegos, comidas compartidas, hacen el pequeño paraíso de los chicos. Pero lo bueno durará muy poco. Pronto la madre vuelve a partir con la promesa de regresar en navidad, promesa que nunca cumplirá y que Akira descubrirá que nunca cumplirá cuando, pasada la navidad y al no regresar Keiko, llamará a un número que se las arregla para encontrar y escuchará la voz de su madre al otro lado atendiendo como la señora Yamamoto. No les dice nada a sus hermanos, el dinero se acaba ya que su madre deja de mandarles, y Akira, con sus doce años, debe hacerse cargo de sus hermanos. En este punto comienza otra historia. Una historia que se percibía pero que uno, inconscientemente rechaza. Más. Uno espera durante toda la película que aparezca la madre y los rescate. Pero no. Además de lo terrible de la historia, los tiempos en los que está contada, la suavidad aparente con que todo transcurre, los indicios del paso de los días representados en los cambios de color de las hojas de los árboles, el pelo de los chicos, el paulatino despintarse de las uñas de Kyoko, nos van llevando e introduciendo en la situación de manera ineluctable.   El rodaje empezó en otoño de 2002 y siguió hasta el verano de 2003 durante las cuatro estaciones del año. Kore-eda montó la película a medida que la rodaba, lo que le permitió trabajar en la construcción de cada parte en función de lo que acababa de montar. Hizo todo lo posible para que los jóvenes actores aficionados se sintieran cómodos y dispuestos a comunicarse. Adaptó sus técnicas de realización para poder filmarlos con mayor precisión. El rodaje se realizó en orden cronológico. Los niños se desarrollaron física y psicológicamente en la vida real a la vez que los personajes que encarnaban en la película. En sus anteriores películas, Kore-eda ya había utilizado técnicas propias del documental. En NOBODY KNOWS va aún más allá y consigue borrar la frontera entre la ficción y el documental. Su objetivo no se limita a enseñar el universo de esos niños abandonados, también quiere mostrar la dulzura y la hermosura de la infancia.  Para hacer el papel de madre despreocupada, Kore-eda escogió a You, una estrella de televisión que nunca había trabajado para la gran pantalla. El dúo Gontiti compuso para la película una música suave basada en guitarra y ukelele que hace resaltar el universo de los niños.   Según declara el director, «la película se inspira en un hecho real conocido como "el suceso de los cuatro niños abandonados de Nishi-Sugamo". Ocurrió hace 16 años, en 1988 "Este suceso hizo que me planteara varias preguntas. La vida de esos niños no pudo ser únicamente negativa. Debieron disfrutar de momentos de complicidad, de alegría, de tristeza y de esperanza. No quería mostrar el "infierno" visto desde fuera, sino la "riqueza" de sus vidas desde dentro…Me costó mucho concretar el proyecto. Transcurrieron 15 años desde que escribí el primer guión. ¿Seguía siendo un suceso actual 15 años después? Antes de lanzarme a hacer la película, debía hacerme esa pregunta. Según las estadísticas del Ministerio de Educación, el número de niños entre 7 y 14 años con domicilio desconocido ha bajado de 533 en 1987 a 302 en 2000. Pero estas cifras sólo se refieren a niños cuyo nacimiento ha sido declarado. Si se tiene en cuenta que la natalidad ha bajado, podemos suponer que hoy en día hay un mayor número de niños que viven clandestinamente como les ocurre a Akira y sus hermanos(…)You es una persona que vive el momento. Entendí enseguida que me aportaría la despreocupación positiva que buscaba. Llegó al rodaje sin haber preparado nada; ni siquiera se había leído el guión que le había entregado…El guión era muy detallado y los niños aportaron numerosos cambios de forma espontánea. Muchos cambios se deben a que Yuya, que interpreta a Akira, creció mucho durante el rodaje. Pero también porque, por ejemplo, imaginé que a la pequeña Yuki le gustarían los caramelos de fresa, pero me dijo que prefería las chocolatinas. Hiei, que interpreta a Shigeru, comió muy poco en el rodaje porque casi no le gusta nada. Por suerte, imaginamos que le gustaría la pasta instantánea y, efectivamente, le gustaba. En la escena en la que come sopa de arroz le dejé improvisar. Durante el casting se presentó una niña con sandalias que hacían ruido. Me gustó la idea. Cuando Yuki sale a buscar a su madre, lleva sandalias como las de aquella niña».