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el viento

el testigo

las tortugas pueden volar

por Neo Pecatt

(Lakposhta hâm parvaz mikonand) 

Director: Bahman Ghobadi

Intérpretes: Soran Ebrahim, Avaz Latif, Saddam Hosseim Feysal, Hiresh Feysal Rahman

País: Irán/Francia

Año: 2004 

Bahman Ghobadi, cineasta kurdo realizador de Las tortugas pueden volar, comenta en entrevista con La Jornada: «Sólo quiero que mi gente esté libre de mentiras, de la guerra, de la inseguridad. Sólo quiero que los niños kurdos se alejen de las tierras minadas y de las armas. Los países poderosos sólo quieren obtener beneficios de la guerra y ese no es un secreto. Ellos no se preocupan por nuestro sufrimiento y nuestro miedo. Nosotros sólo queremos que esta situación se detenga».Estas breves palabras del director nos sirven como introducción para comentar esta película que es un testimonio, tan real como descarnado, de la “otra realidad”, esa que no muestran las súper transmisiones televisivas, de la, en este punto interminable, guerra en medio oriente. La película relata la historia de determinados personajes en un pueblo del Kurdistán, sobre la frontera con Irán y Turquía, en la que un niño de sólo trece años, apodado Satélite por ser el único que posee los conocimientos para conectar una parabólica para tratar de bajar información sobre la inminente invasión yanqui a Irak, es una suerte de líder que comanda un “escuadrón” de niños que desactivan minas y recogen todo tipo de material bélico que venden en una especie de “mercado de las pulgas” armamentístico. Con lo recaudado Satélite provee a sus subordinados de diferentes elementos y víveres para satisfacer las pocas demandas que de alguna manera los conectan con lo que recuerdan de una vida normal perdida hace ya mucho tiempo. Esta sórdida cotidianeidad y el liderazgo de Satélite se ven amenazadas cuando, de pronto, aparece un niño de su edad, mutilado de los dos brazos, que viene de otro pueblo y desarma minas con la boca. Como para conflictuarse aún más se enamora de Agrin, la hermana de Hengov (tal el nombre del niño mutilado), quien además tiene un hijo ciego, producto de la violación reiterada por parte de quienes arrasaron con su pueblo y de quienes vienen escapando. La falta de respeto por la vida por parte de quienes propician estas guerras choca en este film con las diarias vicisitudes de estas personas que, aún en este contexto infrahumano de vida, encuentran lugar para el humor, el amor, los celos y las pequeñas controversias propias de la camaradería humana. Notable, por ejemplo, la secuencia en la que satélite logra conectar la antena y, cuando se reúnen los viejos de la aldea para que les traduzca las noticias, estos cierran los ojos ante las imágenes supuestamente sexies de la tele occidental. Como bien señalara el director en la entrevista a la que hago referencia al comienzo y que más adelante transcribiré, al menos en parte, la película transita la delgada línea entre documental y ficción, por lo cual estas situaciones que se plantean tienen un desarrollo, nudo y desenlace, para lo cual deberán ver la peli. Lo que sí les puedo decir es que el relato culmina con el derrocamiento de Saddam por parte del imperio asesino representado por el títere Bush, circunstancias que, como ya sabemos, no sólo no mejora la vida de esta gente sino que prolonga el infierno que todavía arde y que nadie sabe cuando cesará. Su origen, según el propio Ghobadi, nacido en 1969 en Bané, en el Kurdistán iraní, se ubica «tres días después de la caída de Saddam Hussein, fui a Bagdad para la presentación de la película Los cantos del país de mi madre. Mientras que todos los poderosos lanzaban armas pesadas sobre Irak yo quería, simbólicamente, lanzar un objeto cultural... Con la pequeña cámara mini dv que traía, filmé lo que pude ver en Bagdad pero también en otras ciudades. De regreso a Irán, me interrogué sobre mi acto y, unos días después, decidí volver y hacer una película que evocara lo que me había alterado: los terrenos minados, los niños mutilados, la gente perdida, la inseguridad agravada...». -¿Por qué no rodó un documental en vez de una ficción? -En mi cinta hay un diminuta línea entre la realidad y la ficción. Quiero decir que tomé casi todo de la realidad para el guión y sólo adherí pocos elementos de ficción, tales como la habilidad de Henkov (uno de los niños) para predecir el futuro. La ficción sólo me ayudó a crear una guía para construir la historia, el resto fue tomado de la vida real, incluso a los actores. Sólo usando la ficción podía haber hecho más sensitiva la historia para la audiencia. -¿Es un cineasta político? -No del todo. Sólo me gusta contar historias. No pretendo nada más allá, sólo mostrar mi punto de vista de la manera que lo sienta. No obstante, era una necesidad para él contar esto mediante el cine. «Creo que toda la gente queda afectada por las dictaduras en formas diferentes. Sin embargo, pienso que el punto de vista de los niños es diferente por su inocencia e ingenuidad. Ellos no comprenden por qué están viviendo esas situaciones, no obstante, tienen que aceptar sus vidas y aprender a vivir dentro de ese régimen totalitario Bahman Ghobadi trabajó en una emisora de radio y se incorporó a un grupo de jóvenes cineastas aficionados en Sanandaj, con los que empezó a realizar cortometrajes. Más tarde se instaló en la capital, donde se matriculó en la universidad para estudiar cine, pero tuvo que abandonar la facultad antes de terminar sus estudios. Entre 1995 y 1999 realizó una decena de cortometrajes que obtuvieron numerosos premios en distintos festivales nacionales e internacionales. En 1999 ocupó el puesto de primer asistente de Abbas Kiarostami durante el rodaje de El viento nos llevará. Cuento mi propia experiencia En 2000 dirigió su primer largometraje, A time for drunken horses, que se presentó en la Quincena de Realizadores de Cannes y obtuvo la Cámara de Oro y el Premio de la Crítica Internacional. Su segundo largometraje, Songs of my motherland (2002), fue presentada en Cannes, en la sección Una Cierta Mirada, y premiada en el Festival de Chicago. -¿Por qué cree que los medios de comunicación sólo exponen las cosas negativas de los kurdos? -Creo que porque estamos tan tocados por una situación terrible, la que mi gente ha vivido por décadas: la guerra. Es difícil para nosotros voltear e intentar ver un punto de vista diferente. La cinta me permitió mostrar demasiadas cosas de mi propia experiencia, y también lo vivido con los refugiados, que fue algo que me tocó las fibras. No quería contar ninguna otra historia más que lo vivido por mí mismo. Las tortugas pueden volar es la tercer cinta de Ghobadi. Escrita, dirigida y producida por él. -¿Por qué usar a gente común? -Ellos son estrellas de la vida real, conocen los sentimientos de la gente que vive la guerra. Además de que en el Kurdistán no hay actores profesionales. Trabajé con gente que no es artista pero los dirigí como si lo fueran y ellos así lo hicieron, por eso me sorprendieron en muchos aspectos. -¿Qué piensa de la mezcla de humor y tragedia que rodea la vida de los kurdos? -Pienso que es imposible vivir sin humor, especialmente cuando vives en medio de la guerra y la tragedia cada día. Los niños son sólo eso, niños, ingenuas personas, traviesas y divertidas por condición natural. En la película determiné agregar un saborcito de humor que le permitiera a la gente sentir menos angustia por lo trágico del tema en el filme. -¿Tuvo alguna dificultad durante la filmación? -Todas los rodajes tienen dificultades, aunque claro, el tema de la historia es una dificultad en sí, pero los niños me ayudaron a hacerlo más fácil. Ghobadi dijo que las verdaderas estrellas eran la gente común de Irak, del Kurdistán. «Saddam Hussein y George W. Bush eran sólo dos personas poderosas, que no viven o vivieron las consecuencias de sus decisiones, por tal motivo mostré el otro lado de la moneda, el lado que he vivido desde que nací. La contribución de Las tortugas... es el relato de una historia personal, y si esta historia puede tocar a alguien más, grandioso». 

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sol ardiente

por Ivan Solo

La traducción del título para la presentación nacional es Sol Ardiente que es  parecido a Quemados por el sol  pero nada que ver. Ambos posibles títulos son los nombres con los que esta película  fue presentada en los distintos países de parla hispana, creo que en ruso es tipo rnsxzhk e inclusive alguna de estas letras va al vesre. De cualquier manera creo que de todas las letras que van al revés las mas complicadas son la o y por supuesto la x. Personalmente nunca me doy cuenta cuando esta al derecho y cuando al revés.Si  Sras. y Sres: Sol ardiente, Quemados por el sol o rnsxzhk, grueso, gruesísimo calibre, alta performance, me deshago en elogios.Los tanques de guerra intentan invadir una campiña, son tanques del oficialismo de la Unión Soviética de los años treinta, es decir los tanques de Stalin. Gran sorpresa del campesinado. Un militar que había luchado codo a codo con Stalin en las filas de ejercito rojo y que mora pacíficamente en la aldea, los detiene. Este heroico señor lleva por nombre camarada Kolov.Simultáneamente un agente del servicio de policía secreta del gobierno acepta una misión.Bueno la pelota empieza a rodar (reminiscencias del mundial) y se desenrolla una historia muy, muy pesada.El camarada Kolov vive altamente feliz junto a su esposa y una hermosa niña, que trabaja mejor que seis o siete escuelas de dramatización juntas, y más familiares, tíos , primos etc...Con el correr de los días llega a la campiña a visitarlos un muchacho que cuando era joven vivía en la aldea pero luego se fue, ahora tiene un trabajo que nadie sabe a ciencia cierta cual es y se queda unos días. Este visitante es un antiguo enamorado de la que ahora es la esposa del heroico militar. Sobre el particular hago un paréntesis para contarles que lo que tiene de heroico no es la cara y el maquillaje. El señor interpreta a un responsable directo en la logística de la revolución, y lo hace con mucha pista. Este señor se agarra de su cotidiana y pequeña felicidad que es la paz de la campiña, los sucesos pequeños y limpios , y los vive a fondo, con la conciencia de quien ha hecho lo inmenso, y hay que entender que esta película la hizo un ruso que comprende demasiado lo que la revolución significó y por ende hecha una grandísima carga sobre el papel del militar.El muchacho enamorado de la chica pasa los días hasta que un día empieza a destaparse la cacerola, empieza a verse a que vino, el es el agente mencionado a principio que acepta la misión (desde luego jamás mencionada), no sería de buen gusto contarles lo que sucede en el desarrollo del film, considero que hasta ahí es donde conviene llegar para no contar la peli.Es una película amarga que deja ver a muchos ojos ajenos a los sucesos, la trama interna no de la revolución pero si de la continuación de tan vasta empresa. Todo terminó en desastre.Este film esta ambientado después del fallecimiento de Lenin, casi puede decirse que son los primeros años del gobierno de Stalin que se continuó sin interrupciones hasta el año 1955, y que dejó en el campo de batalla tantos o más muertos que la segunda guerra mundial, decir el campo de batalla es solo un modo ya que no fue tal, esta película testimonia justamente la violentísima carnicería en la que se convirtió la toma del poder por el ejército rojo, carnicería que no comenzó recién ahí, es preciso decir que ninguna revolución es precisamente un fiesta, son sangrientas jornadas de muerte y desesperación y en la Rusia del 17 no fue distinto de manera que la sangre y la pólvora no escasearon en la unión soviética ya desde los finales del siglo XIX  y no escasearon tampoco hasta... hoy.Creo que esta película es testimonio de ideales vencidos, venidos a menos en su calidad de ideales. Es bastante triste la historia, no solo la que cuenta el film sino aquella en la que estamos inmersos de pies a cabeza.  En fin, su director: Nikita Mijailov ,el resto de los participantes, los protagonistas, la nenita, y etc ... tengo que decir acá en este punto, que ni la menor idea, todo esta en ruso y no tengo ojos de rayos x. Bueno hasta la proximita.

La Cena por Ivan Solo

La Cena por Ivan Solo

LA CENA

Hetore Scola  

por Ivan Solo

Conozco dos películas que llevan por nombre La cena, ambas tienen a los italianos en su temática. Una trata sobre dos hermanos italianos en Nueva York, ellos tienen un restaurante recién abierto con el que intentan hacer cierta fortuna, y el título trata sobre una cena especifica que ellos brindaran en honor de alguna personas importantes del barrio, llámese mafia.La otra película con el mismo nombre cuenta acerca de la cena en el sentido genérico, trata sobre la costumbre de comer a la noche, no hace ningún desarrollo grandilocuente, simplemente convierte al espectador en testigo de innumerables sucesos que tienen lugar en el interior de un restaurante en Italia. Pero decir un restaurante en Italia es decir mucho y no decir nada. La película sin caer en una simpleza tal, deja acontecer sucesos de total insignificancia por lo cotidianos y al mismo tiempo revela lo definitivo de los sucesos para sus protagonistas.Respecto de los protagonistas -debe decirse que todos lo son­- es notable la presencia de Vittorio Gassman quien cuenta entonces con no menos de ochenta añitos y en la presencia de un anciano habitué del restaurante participa de todas las situaciones que allí acontecen, como una especie de maestro de ceremonias entre el restaurante y el espectador. Es una película relativamente nueva, mas o menos del  dos mil, que si bien es dato poco serio, ayuda . Es la ultima película que filmó Gassman.La dirección es de Scola, Don Héctor, el mismo que se despacho con aquella obra maestra que lleva por nombre La familia y que deja deslizar tres generaciones de una misma familia sin salir de un departamento y sin aburrir ni un momento cosa que es mas difícil que la miércoles y que el jueves también, dado que la película dura unas tres horasParece que la manía del muchacho es filmar en interiores y desenvolver situación tras situación utilizando como marco de referencia, en el caso de La familia, el interior del departamento y en el caso de La cena el interior de el restaurante.Pienso que puede trazarse entre los films varios paralelismos, el hecho de que ambos transcurren íntegramente no digamos ya en lugares cerrados, sino en el mismo lugar y sin salir. El ojo testigo, es decir el ojo del espectador, nunca sale de adentro del recinto en ninguna de las dos películas (en La cena en un cachito al final), me parece de una altura insuperable, no el detalle solo y por si mismo, sino como tratamiento general. En La familia, las generaciones se suceden en la máxima de las inconciencias, las cosas van pasando de una manera tan sigilosa como tiránica, solo la realidad funciona así, como una máquina inmensa.Hay quien piensa que la interpretación del realismo es anticuada, personalmente no sé si es anticuada o no, lo que si pienso es que para alcanzar un grado de representación de tan sólido funcionamiento hay que saber, no hay vuelta, sin recurrir a tecnicismos ni trucajes cuasi engañósines, hay que llevar el barco como si fuera parte del mar y eso si que no es cosa fácil.Hay un uso de truco en la película, y creo que como esta usado es grandioso, es como un efecto que usan desde luego para reproducir sucesos que no son actuables, por así decirlo, a mi entender es reconfortante ver que esos trucos pueden tener un sentido muy importante,La cosa esta en quien los usa, aunque es justo decir al menos a título personal que la corriente utilización del efecto especial es un asco.De cualquier modo todo aquello es irse por el ramaje y al menos por el momento he de temer a la señora salamandra.Bueno, nuevamente ha llegado a fin la presente construcción, mas no temáis, lo que no ha llegado a fin son las insensateces de un  charlatán. Hasta la próxima.

Dumplings según Neo

Dumplings según Neo

DumplingsDirector: Fruit Chan     País: China  Año: 2005   Género: Drama

Reparto: Bai Ling (Mei), Miriam Yeung (Oing Li), Pauline Lau (Masajista), Tony Ka-fai Leung (Sije Li), Meme (Connie), Miki Yeung (Kate), Wong-so Fun (madre de Kate).  

Los dumplings son unas preparaciones muy populares en la cocina de las islas de San Andrés y Providencia para complementar guisos y sopas. Son una suerte de capelletinis en donde se mezcla todo, se amasan bien y se hacen pequeños rollos con las manos húmedas. Luego se cortan y se ponen en las sopas ó se hierven y sirven con alguna salsa. Tomando esta receta, es el director chino, más específicamente hongkonés, Fruit Chan, quien se manda un estofado que para qué te cuento. La historia es que Oing Li, una aspirante a actriz que se topa con una tempranísima fama al participar en una telenovela para adolescentes y que luego renuncia a su incipiente carrera para casarse con un multimillonario diez años mayor que ella (primera sutil bajada de línea a las costumbres tan antiguamente arraigadas), se contacta con Mei, enterada de que ésta última posee un secreto para lograr la juventud eterna. Así es que concurre a la casa de Mei, que está en un barrio popular, tipo monoblocks, para iniciar el tratamiento que la rejuvenezca y así poder volver a captar la atención de su millonario esposo, que por ese entonces mantiene un apasionado romance con su joven masajista. Aquí es donde aparecen los dumplings. El tratamiento consiste en la ingesta regular de esta comida especialmente preparada por Mei, tan especialmente preparada que su ingrediente principal, y el que le da las cualidades rejuvenecedoras, es el relleno hecho de fetos humanos. A partir de aquí, y tomando estas líneas argumentales tan simples como escalofriantes, es que Chan nos lleva por un camino plagado de sensaciones a veces pavorosas, otras algo escatológicas, pero siempre cargadas de simbolismos y metamensajes concretísimos, aunque aparezcan como escondidos. Leía en un sitio especializado una crítica de un español (de quien no recuerdo el nombre ni vale la pena buscarlo) que la película, que él califica como de terror (de género “terror” se entiende), se repite en imágenes, que está “estirada”, que después de ver un par de veces a la protagonista comiendo los dumplings a la vez que se escucha el crujir de los huesitos de los fetos que contienen, ya está. Aburre. Pobre tipo, qué estrechez de miras!!. A lo largo de la historia y a propósito del susodicho ingrediente es que Chan nos muestra la crueldad sin fin de las sociedades modernas. Una mujer, alguien naturalmente dotada para ser madre, comiéndose los hijos abortados de otras congéneres, con la única, banal finalidad de verse más joven. La industria del aborto en su forma más cruda, la legal y la no. La ruptura más absoluta de toda solidaridad. Hugo Salas, de Página Doce, que hace un análisis interesantísimo de la película, dice en un fragmento de su crítica:” A falta de mejor palabra, cabría decir que aquello que caracteriza a Chan es el sigilo: sus películas refieren siempre una escena cuyos móviles y sentidos últimos permanecen velados, incluso para los propios protagonistas. De allí, por ejemplo, que Dumplings eluda convertirse en una fábula contra la cosmetología o la obsesión contemporánea por el cuerpo, cosa que seguramente hubiese sido en otras manos. Antes bien, es una película sobre mujeres, sobre mujeres explotándose mutua e impiadosamente en un mundo que suponen controlado por hombres, a su vez controlados por principios simétricos a los que se someten las mujeres, volviendo así erróneos los supuestos y voluntades de ambos.”. En un momento dado, Oing Li le pide a Mei algo más poderoso, que le ofrezca resultados más rápidos. Ella le dice que eso llevará tiempo pero, sorpresivamente, llega a su “consultorio” una madre con su hija de quince años, que ha sido violada por el padre y está embarazada de cinco meses. Mei (que ahí nos enteramos que anteriormente ejercía su profesión de ginecóloga y que, por obvias razones, ya no ejerce) se niega a practicar el aborto, entre otras cosas, porque la niña está de cinco meses, lo que lo hace muy riesgoso. Ante la insistencia de la madre, llevada al paroxismo arguyendo falta de dinero para pagar un aborto legal pero, sobre todo, haciendo hincapié en la condena social a la que queda expuesta una nena que va al colegio embarazada, Mei acepta. Pero no será por piedad, o por sacar del apuro a esa madre con su hija. No. El motivo es que un feto concebido en una relación incestuosa es lo que ella necesita para darle más efectividad a su fórmula rejuvenecedora, cosa que insistentemente, como ya dijimos, reclamaba Oing Li. La continuación de este rollo deberían descubrirlo ustedes mismos. Es importante tener en cuenta que, a pesar de los ríspidos caminos por los que transita la historia contada, el filme es de una belleza, una elegancia exquisita, en parte gracias a la fotografía de Chris Doyle (Con ánimo de amar). Fruit Chan desde su “Made in Hong Kong” del año 1997, producción con la que convulsionó el mundo del cine, ha cosechado varios premios y ha desarrollado una muy fructífera e interesante carrera. Es mucho más lo que hay para agregar no sólo de este director sino del cine oriental, que es un mundo en sí mismo, pero el espacio es tirano. Como le comentaba a mi vecino de página y amigo, en alguna oportunidad, una vez que uno comienza a ver cine oriental, todo el resto queda un escalón más abajo. Hasta más ver. 

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Ivan Solo - Luna de Avellaneda

Ivan Solo - Luna de Avellaneda

Y bien, los días se siguen sucediendo y contra todos los pronósticos, seguimos estando.

Las incoherencias no cesan y bien dispuestos que estamos a sostenerlas.

La cuestión que traigo hoy en mente se llama Luna de Avellaneda, película de factura - no de dulce de leche o membrillo, en su defecto - sino nacional.

De movida nomás, arranca en una milonga en un club de un barrio que se llama casualmente como la película, Luna de Avellaneda. En dicho baile nace un muchachito. El nacimiento es asistido por el único médico presente en el evento, el cantor de la orquesta, de profesión ginecólogo, es decir: la personificación de Alberto Castillo. Luego hay un importante salto temporal y aparece este muchacho, ya crecido, trabajando en el mismo club del que es socio vitalicio. Es decir que para el pibe es como su segunda casa.

Todo esto que cuento no tiene como fin aburrir sino poneros en la situación en la que el film se desarrolla porque es merced a esa situación, tan estrafalaria, que el director sale con un trazado paralelo entre la situación de dicho club como entidad, y la vida de los integrantes de su comisión directiva.

El deterioro al que el club cae en caída libre, es el reflejo de la degradación de la Republica Argentina como país, y las consecuencias directas e indirectas que esto tiene sobre la vida cotidiana de la gente, en este caso los miembros de la comisión.

En esta trama está todo, el país, la vida de la gente atomizada, la sociedad fragmentada, la gente que en su desesperación cotidiana recurre a todo lo que aparece y no sabe qué está bien y qué está mal. Si lo que estaba bien, ahora da risa; y lo que estaba mal, ahora es lo que da más rating. Y el eje del que debiera emanar el ejemplo está corroído. Y si no agarrás ahora, cuando te despiertes va a ser tarde. Y que acá sobrevivie la gente práctica y entre una cosita y otra, así estamos.

Por el otro lado la comisión directiva del clu esta conformada por gente como toda la gente. El violento tironeo al que es sometida la conciencia comienza a notarse, la impotencia de las personas ante la avalancha de situaciones es mucha y es dañina y es ahí cuando comienza a notarse la confusión moral que reina.

No puede faltar el socio / amigo que se fue para arriba, y cuando la institución esta herida de muerte ofrece su ayuda que es mas bien un cuchillito en la barriga, este amigo es un amable intermediario a porcentaje.

Una vez más tenemos una muestra de muchos de los rasgos nacionales. En su espíritu me hace acordar de la película "Sur". Película que merece todo el prestigio acumulado y el que acumulará. No digo que sean iguales, simplemente el ojo adecuado para resaltar los puntos adecuados está en ambas. De la producción de Solanas hablaremos en cuanto me consiga una copia y la refresque en la memoria, así que ya saben: empiecen a escuender las copias porque sino, tarde o temprano, conseguiré una y arremeteré con nuevos desvaríos.

A título personal digo que esta, Luna de Avellaneda, es una película hecha en el estilo de los italianos, muy lejos de los plastificados, muy lejos de querer representar una realidad perfecta, donde todo sucede al vació. En este tipo de películas llega a palparse el filo grotesco de la realidad, la realidad en su faceta más representativa. Cada uno acarrea sus pequeñas miserias y sus pequeñas alegrías y algunos toman para aquí y otros toman para allá pero todos toman para alguna parte..

Por mi parte no tengo deseos de contar la película a nadie, porque es feo que te cuenten el final, únicamente se trata acercar al amable lector tanto así como a la amable lectora una breve recorrida por la trama siendo que tal vez a alguien le interese esta temática específicamente, cuestión que me recuerda que las películas que se mencionaron en esta misma sección tanto por mi vecino grafico como por el de él, en el número anterior, están en esta temática ,el estado de la sociedad , el estado de la conciencia nacional.

Será entonces hasta la próxima si Dios quiere.

Neopecatt - Nadie Sabe

Neopecatt - Nadie Sabe

NADIE SABE (Nobody knows, Daremo shiranai) Dirección y guión: Hirokazu Kore-eda

Reparto: Yuya Yagira (Akira), Ayu Kitaura (Kyoko), Hiei Kimura (Shigeru), Momoko Shimizu (Yuki), Hanae Kan (Saki), You (Keiko)

Japón-2004

Keiko y sus cuatro hijos (todos de diferentes y desconocidos padres) se mudan a un pisito de Tokio, al que arriban Keiko y su hijo mayor, Akira, con el camión de la mudanza en el que viajan los tres hijos restantes escondidos en valijas. Una vez instalados, la madre imparte claras y estrictas órdenes tales como no gritar, no salir a la calle, tampoco al balcón, con excepción de Akira, dado que el propietario del piso, que también es vecino, no debe enterarse de la existencia de los niños, ya que en ese caso no alquilaría el inmueble. Tampoco van al colegio. Ninguno de ellos. Pocos días después, Akira encuentra al levantarse una nota de su madre informándole que se ausentará por unos días y que se ocupe del hogar y sus hermanos, dejándole una suma de dinero determinada. Cuando el dinero está a punto de acabarse y se hace evidente la preocupación de los niños por la ausencia prolongada de la madre, ésta regresa, cargada de regalos y ropa, de madrugada, despertándolos a todos. Una vez despabilados, todo es alegría. Mamá está de vuelta, con regalos, pero, sobre todo, está de vuelta. Juegos, comidas compartidas, hacen el pequeño paraíso de los chicos. Pero lo bueno durará muy poco. Pronto la madre vuelve a partir con la promesa de regresar en navidad, promesa que nunca cumplirá y que Akira descubrirá que nunca cumplirá cuando, pasada la navidad y al no regresar Keiko, llamará a un número que se las arregla para encontrar y escuchará la voz de su madre al otro lado atendiendo como la señora Yamamoto. No les dice nada a sus hermanos, el dinero se acaba ya que su madre deja de mandarles, y Akira, con sus doce años, debe hacerse cargo de sus hermanos. En este punto comienza otra historia. Una historia que se percibía pero que uno, inconscientemente rechaza. Más. Uno espera durante toda la película que aparezca la madre y los rescate. Pero no. Además de lo terrible de la historia, los tiempos en los que está contada, la suavidad aparente con que todo transcurre, los indicios del paso de los días representados en los cambios de color de las hojas de los árboles, el pelo de los chicos, el paulatino despintarse de las uñas de Kyoko, nos van llevando e introduciendo en la situación de manera ineluctable.   El rodaje empezó en otoño de 2002 y siguió hasta el verano de 2003 durante las cuatro estaciones del año. Kore-eda montó la película a medida que la rodaba, lo que le permitió trabajar en la construcción de cada parte en función de lo que acababa de montar. Hizo todo lo posible para que los jóvenes actores aficionados se sintieran cómodos y dispuestos a comunicarse. Adaptó sus técnicas de realización para poder filmarlos con mayor precisión. El rodaje se realizó en orden cronológico. Los niños se desarrollaron física y psicológicamente en la vida real a la vez que los personajes que encarnaban en la película. En sus anteriores películas, Kore-eda ya había utilizado técnicas propias del documental. En NOBODY KNOWS va aún más allá y consigue borrar la frontera entre la ficción y el documental. Su objetivo no se limita a enseñar el universo de esos niños abandonados, también quiere mostrar la dulzura y la hermosura de la infancia.  Para hacer el papel de madre despreocupada, Kore-eda escogió a You, una estrella de televisión que nunca había trabajado para la gran pantalla. El dúo Gontiti compuso para la película una música suave basada en guitarra y ukelele que hace resaltar el universo de los niños.   Según declara el director, «la película se inspira en un hecho real conocido como "el suceso de los cuatro niños abandonados de Nishi-Sugamo". Ocurrió hace 16 años, en 1988 "Este suceso hizo que me planteara varias preguntas. La vida de esos niños no pudo ser únicamente negativa. Debieron disfrutar de momentos de complicidad, de alegría, de tristeza y de esperanza. No quería mostrar el "infierno" visto desde fuera, sino la "riqueza" de sus vidas desde dentro…Me costó mucho concretar el proyecto. Transcurrieron 15 años desde que escribí el primer guión. ¿Seguía siendo un suceso actual 15 años después? Antes de lanzarme a hacer la película, debía hacerme esa pregunta. Según las estadísticas del Ministerio de Educación, el número de niños entre 7 y 14 años con domicilio desconocido ha bajado de 533 en 1987 a 302 en 2000. Pero estas cifras sólo se refieren a niños cuyo nacimiento ha sido declarado. Si se tiene en cuenta que la natalidad ha bajado, podemos suponer que hoy en día hay un mayor número de niños que viven clandestinamente como les ocurre a Akira y sus hermanos(…)You es una persona que vive el momento. Entendí enseguida que me aportaría la despreocupación positiva que buscaba. Llegó al rodaje sin haber preparado nada; ni siquiera se había leído el guión que le había entregado…El guión era muy detallado y los niños aportaron numerosos cambios de forma espontánea. Muchos cambios se deben a que Yuya, que interpreta a Akira, creció mucho durante el rodaje. Pero también porque, por ejemplo, imaginé que a la pequeña Yuki le gustarían los caramelos de fresa, pero me dijo que prefería las chocolatinas. Hiei, que interpreta a Shigeru, comió muy poco en el rodaje porque casi no le gusta nada. Por suerte, imaginamos que le gustaría la pasta instantánea y, efectivamente, le gustaba. En la escena en la que come sopa de arroz le dejé improvisar. Durante el casting se presentó una niña con sandalias que hacían ruido. Me gustó la idea. Cuando Yuki sale a buscar a su madre, lleva sandalias como las de aquella niña».

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