en clave de viento

Peter Gabriel - segunda parte

La fija

  Los primeros cuatro discos de la etapa solista de Gabriel llevan por título su nombre acompañado del número respectivo. Así entonces se los conoce como Gabriel 1, 2, 3 y 4, aunque el arte de tapa de cada placa de alguna manera también los bautiza. Por lo tanto Gabriel uno, en el que se lo ve al quía asomado a la luneta de un auto azul se lo conoce por “Car”, Gabriel dos por “Scratch” ya que aparece como rasguñando la foto con sus “garras”. El tres, por su parte, es llamado también “Melt”, ya que la mitad del rostro de Gabriel aparece derretido, como si fuese un muñeco de cera expuesto a un alta temperatura. El cuarto es un tema, al menos para mí. Si bien es de los cuatro el que más me gusta, aunque todavía no nos ocupamos de lo musical, digo que es un tema con respecto a esto de los sub-nombres o meta-nombres. Y es que en la tapa se ve una especie de máscara, un tanto terrorífica, con cierto aire sadomasoquista si se quiere jaja, no obstante lo cual se lo conoce como “Security”. Seguridad. Tomando este criterio “inspirativo” es que uno se confunde un poco…, supongo que tendrá que ver con la necesidad de ocultrase tras una máscara para lograr la tan mentada «seguridad». En fin. Gabriel dijo en algún momento que esta sucesión de álbumes era como fascículos de una revista. Lo cierto es que se percibe una suerte de correlato entre ellos. El primero, en el cual colaboran verdaderos talentos como Peter Hammill, Robert Fripp, Kate Bush o Jerry Marotta por ejemplo y cuenta con la producción de Bob Ezrin mas tarde muy conocido por producir The Wall de Pink Floyd, data del año 1977. Temas como “Solsbury Hill”, una suerte de canto de liberación, o “Here comes the flood”, bonito himno de ribetes épicos, son quizás los temas más recordados, aunque es un disco parejo en general y son también interesantes “Excuse me” o “Humdrum”. Scratch es un poco más oscuro. Este segundo disco, de 1978, da la impresión de ser la calma antes de la tormenta que desatarán los próximos dos, especialmente Security. Robert Fripp, el eterno Tony Levin y Jerry Marotta son sus principales laderos en este laburo, y el segundo corte, “Mother of violence”, tal vez sobresalga, al menos en mi humilde y subjetiva opinión, por la dulzura y melancolía del piano gabreliano, acompañado por el slide guitar de Sid McGinnis y todo esto amalgamado con una retórica inquietante. Por supuesto no es lo único del disco. “Exposure” con Fripp como co-autor o “Perspective”, sólo por nombrar un par, resultan atrayentes. En 1980 ve la luz Gabriel tres o Melt como quieran llamarlo. Aquí aparece David Rhodes en la viola, que sin duda imprime su sello, y lo seguirá haciendo a lo largo de la carrera solista de Gabriel. Marotta la descose con la percu, el pelado Levin se dedica a tocar el stick y deja en el bajo a John Gibblin, un pibito que la mueve un poco. Vuelve Kate Bush y Fripp sigue haciendo de las suyas. La placa arranca con “Intruder”, un primer mazazo que nos dejará turulatos para luego seguir pegando con “I don´t remember”, el perfecto “Games without frontiers” y “ Not one of us”, pera cerrar con ese terrible homenaje a Stephen Biko, lider de la lucha contra el appartheid, asesinado en septiembre de 1977, llamado justamente “Biko”. Y llegamos al último de la saga. Año 1982 y aparece Security, uno de los dos versionados en alemán. Sí, cantado en alemán. Un idioma con una estructura y una fonética tan particular, tan dura, cerrada. Y el tipo traduce, adapta, y canta todo el disco en alemán. Rarezas a las que Gabriel nos tiene acostumbrados. Además de piano, flauta, voces, Gabriel le entra al surdu, marimba, se mete un poco con la percuta. Y lo hace bien. Vuelve a contar con Hammill entre sus filas (no podía ser de otra manera dado el perfil del disco), su esposa en ese momento, Jill, hace coros y Levin, Marotta, Rodhes, en fin, toda la “caterva”, los chochamu. El  disco arde. “The rhythm of the heat” estalla de movida. Baja un par de cambios con “San Jacinto” y vuelve a la carga con “Shock the monkey”, tal vez el tema comercial de la placa pero no por eso menor, “Lay your hands on me” y “Kiss of life” que nada tiene que ver con el tema homónimo de Sade. El laburo está apoyado en una percusión demoledora, inspirada en ritmos africanos, cosa que ya había manifestado en la placa anterior y que será uno de los rasgos de su obra toda y también de la orientación que dará a su productora. Pero eso es harina de otro costal. Seguiremos en la próxima…

TINTA ROJA

Andrés Calamaro

Warner - 2006

por Pablo Cattáneo Lo confieso públicamente: nunca me banqué a Andrés Calamaro. Siempre me reflejó el estereotipo del rocker trucho, mezcla de arruinado al pedo y superado vaya a saber uno de qué. Por otra parte su obra nunca me resultó interesante. Musicalmente trivial, su eterna cadencia, repetida hasta el hartazgo, invariablemente me aburrió sobremanera, además de molestarme la onda eterno hit adolescente de sus canciones. Como para revalidar todo esto, tuve en un momento la posibilidad de conocerlo personalmente. Fue a fines de la década del ochenta, en el umbral de los noventa. El tecladista de la banda que yo integraba por aquel entonces poseía un estudio de grabación sobre la Avda. Córdoba, casi esquina Junín. El estudio se llamaba, o tal vez se llama todavía, “Cosmos”. Muy bien armado y equipado con los últimos chiches disponibles en ese momento, pujaba por ganarse un lugar en el difícil rubro de los estudios de grabación, y en este delicado trance es que desfilaban desde grupos de gaiteros hasta ignotos músicos y cantantes que grababan sus demos, algunos realmente interesantes, para tratar de desarrollar sus carreras. “Endemientras” tanto Octavio Stampalia, el ya mencionado compañero de banda, como su socio Alejandro hacían horas de vuelo en este dificilísimo arte de “grabar”. Mientras tanto nosotros aprovechábamos las horas libres del estudio, que eran bastantes, para utilizarlo como sala de ensayo y para ir grabando los temas que íbamos abrochando. Una gloria. Es en este contexto entonces que una tarde caen Andrés Calamaro y Ariel Roth para hacer unas tomas de unas cancioncitas, las cuales nunca supe si se editaron. La verdad es que eran por lo menos “flacas” como diría un amigo. Anyway. Debo decir que la primera impresión no fue mala, ya que era absolutamente cónsona con la idea que yo tenía del chabón y su música. Llegaron con esa onda “star”, desplegaron inmediatamente diferentes fetiches rocker, de los cuales sólo puedo nombrar una botella de Jack Daniel´s, y se pusieron a laburar sobre unos patterns de bata que traían programados en una máquina. La sensación de atónita aversión crecía de manera directamente proporcional conforme avanzaban en la confección de las tomas. Recuerdo todavía, después de alrededor de 18 años, parte de la letra de una de las canciones que rezaba algo así como: -Traigan las chicas, traigan el alcohol, pero, por favor, no olviden el bronceador……(¡¡¿?!!). Se imaginarán entonces la música que acompañaba tan profunda y filosa retórica. En fin. En un punto vieron en la pecera mi Rickenbaker Sixtie Special, que por aquel entonces amplificaba en un Kustom 150, y flashearon. Me lo pidieron para grabar algunas tomas y yo accedí. Más. Un par de semanas después se los alcanzé al estudio Panda, que estaba o está por Devoto si mal no recuerdo, donde prosiguieron con la grabación. A estas alturas se estarán preguntando para qué cuenta todo esto este perejil. Pues bien. Me interesaba plasmar, de alguna manera, mi postura frente a la obra de Calamaro a modo de introducción, para ahora ocuparme de Tinta Roja, el último laburo editado, creo. Y es que fue una grata sorpresa. Sobre una selección no muy arriesgada de tangos y acompañado por excelentes músicos Calamaro entrega un trabajo interesante. Con versiones bastante aflamencadas, giro que ya había realizado Martirio uno años antes con su “Flor de Piel”, los temas elegidos suenan bien, destacándose, en mi humilde opinión, “Como dos Extraños” con el acompañamiento del enorme Juanjo Domínguez, y “Nostalgias” en “clave de bolero”, muy interesante aunque liviana si se la compara, por ejemplo, con la versión de Hermeto en su tremendo “Por diferentes caminos”. . “Sur”, “El día que me quieras”, “Mano a Mano”, “Por una cabeza”, “Tinta Roja”, “Milonga del Trovador”y “Melodía de arrabal” completan la lista de temas. No suena el bandoneón en el disco ya que es reemplazado por el saxo, trompeta o harmónica. Calamaro “dice” bastante bien y los músicos que lo acompañan en esta aventura son, además del mencionado Domínguez, Niño Josele en guitarra, José Reynoso en piano, Montse Cortés cantaora flamenca (de dudosa performance en “El día que me quieras”), Jerry González vientos. Si logramos entonces apartar la nata marketinera que indefectiblemente cubre este tipo de lanzamientos para convertirlos en “productos” lo más vendibles posible, nos quedará una placa digna de ser escuchada. También nos queda la sensación de que Calamaro ha empezado a madurar y que quizás nos acostumbre a entregarnos algún trabajo serio cada tanto, aunque frases vertidas por el músico con motivo de la aparición de este disco nos planteen ciertas dudas: “Nunca dejé el rock and roll. Sospecho que es lo único que sé tocar, pero también estoy cerca de la música popular” o “No sé si es verdad, pero lo quiero decir: es el tango el que nos eligió a nosotros”. Ya lo sabremos pues, por lo pronto es lo que hay. Hasta mas ver.  

LA FIJA

Peter Gabriel  por Pablo Catáneo

En sus inicios, allá por la década del 60, Peter Gabriel (Surrey, mayo de 1950) le dio voz a la banda de rock sinfónico Genesis, sin duda una de las agrupaciones referenciales de este tipo de música. Junto a Mike Rutherford, Tony Banks, Phil Collins y Steve Hackett , y valiéndose no solo de sus cualidades interpretativas, Gabriel imprimió su sello indeleble al rock progresivo de aquella época. Tan así que, luego de haber dejado la banda alrededor de 1975, fue y sigue siendo un modelo a emular por aquellos que continúan en una línea que se la puede denominar neo progresivo. Marillion podría ser la primera de una no muy extensa lista. Las performances de Gabriel en los shows de aquella época eran verdaderas escenificaciones, con una muy cuidada iluminación, escenografía, disfraces, máscaras, en fin, todo lo necesario para encarnar a los personajes que contaban o directamente vivificaban las historias y situaciones que las canciones iban narrando. Nursery Crime (1971), Foxtrot (1972), Selling England by a Pound(1973), The Lamb Lies Down on Broadway (1974) son los nombres de las placas que llevaron a Genesis a vender discos a granel y a realizar maratónicas giras interdisciplinarias que, sin duda, han hecho época. Es en el año 1975 que Peter Gabriel, después de finalizar la gira presentando The Lamb…., se separa de la agrupación para, salvo contadísimas excepciones, no volver a integrarla. Este período que aquí comienza es el que nos ocupará en LA FIJA, período por demás interesante, ya que, de alguna manera (manera que podríamos calificar de talento), el músico corta lo lazos casi totalmente con lo que venía haciendo, intentando nuevos caminos, que mayormente recorre con éxito, afianzándose como un artista cosmopolita, multicultural si cabe. A lo largo de su etapa en solitario, Gabriel irá incorporando claves, armonías e instrumentos de las mas variadas especies y procedencias. Guitarra eléctrica, Stick y sintetizadores se mezclarán entonces con surdu, djembé, gaitas, sabar, kora, valiha, flauta turca, kementché y el doudouk armenio, entre otros. También se rodeará de músicos de diferentes extracciones y aplicará las experiencias y aprendizajes cosechadas en sus colaboraciones con Cat Stevens, Nona Hendrix, Donny Osmond y The Interview, Joni Mitchel, Colin Scott entre otros. Pero bien, vamos a ir recorriendo los discos, de la manera más ágil posible, e ir ocupándonos de datas, letras y demás yerbas y espero que les resulte interesante. El espacio es tiranoooo……..

LA FIJA - Rita Mariano

Segundo

María Rita Mariano

WEA-2005

Los últimos días de Mayo pasado, más exactamente el 27, se presentó en el Coliseo de baires María Rita Mariano, hija de la mítica cantante brasileña Elis Regina y el pianista César Camargo Mariano. Este primer show de la cantante en Argentina forma parte de la gira americana a propósito de la aparición de su segundo trabajo discográfico titulado ceñidamente “Segundo”. El primero de sus trabajos, titulado “María Rita”, apareció en el 2002 en medio de una gran expectativa y cosechó en forma casi automática un par de Grammys. La publicidad de aquel disco rezaba insistente y, si cabe, proféticamente, “La cantante que todos estaban esperando”, frase que muestra en sí misma el condicionamiento y la presión, del público en general y de la industria en particular, a la que estaba expuesta la joven intérprete “por ser la hija de”, motivo que, por otra parte, demoró su decisión de dedicarse ”de lleno” a cantar. Ella prefiere decir, por ejemplo:. “Cuando dicen que canto igual a Elis, tengo ganas de mandarlos a escuchar el disco Elis & Tom. Porque después de escucharlo nadie puede tener el coraje de decir que yo vengo a reemplazarla”.Los temas elegidos para este primer disco son piezas de probada efectividad. Milton Nascimento, Rita Lee, Duncan, Lenine y algunos otros menos conocidos suenan muy bien en la voz sobria de María Rita, con un “inevitable déjà vu genético” como diría el crítico brasileño Dapieve, a lo que su colega Pires contesta: “Es una lástima que esa semejanza inevitable lleve a que algunos la rechacen precisamente por eso. Pero aún peor sería que la abracen como la auténtica sucesora esos chatos fanáticos profesionales de Elis, que son como los beatlemaníacos de la MPB”. Pequeños botones de muestra de que todo el mundo habla, quizás demasiado, y que la sombra de Elis, para bien o para mal, sobrevuela y, parece, sobrevolará toda la carrera de la única hija mujer de ésta. En medio de todo esto, decíamos entonces, María Rita estuvo en Argentina y, antes de su show, dio algunas entrevistas. Transcribiré a continuación la que le concedió al periodista Gabriel Hernando y dejemos que hable ella hable de María Rita, que siempre es sano e interesante: Qué características tendrá el show que vas a dar en Buenos Aires?Básicamente presentaré las canciones de Segundo, mi nuevo disco, las del primero y muchas otras que suelo interpretar en vivo pero que no están grabadas. Es un show que fue creciendo mucho con el paso del tiempo respecto de la idea con el que lo concebí. Lo principal va a estar en la música, en la calidad sonora, los timbres, los arreglos; en fin: la musicalidad es un elemento muy fuerte a lo largo de todo el concierto.¿Cómo resultó volver al estudio de grabación después del gran éxito obtenido con tu álbum debut?Fue, en cierta forma, muy bueno. Lo que más dificultó el proceso de grabación fue el fallecimiento de Tom Capone, que era, además de mi productor, un gran amigo. De todos modos, la expectativa que había con respecto a este segundo disco no me afectó para nada. Grabé muy tranquila. Es más, te diría que estuve más desesperada grabando el primero porque sinceramente no sabía cómo lo iba a recibir la gente. Ahora me sentí mucho más relajada, mucho más libre a la hora de grabar. Precisamente, Segundo fue grabado en un estudio pero suena muy vivo, muy natural. ¿Eso fue buscado o surgió durante la grabación? No, fue buscado. El estudio se llama Toca do Bandido, que además sirvió como «making of» de un DVD que apareció aquí, en Brasil, y el mismo tiene pisos de madera y un tratamiento especial en sus paredes que hace que todo lo que grabes suene como en vivo. Este álbum fue grabado tocando todos al mismo tiempo, como si fuera un show, y casi no hay sobregrabaciones o filtros. Es una manera de grabar que hoy casi no se usa pero a mí me encantó hacerlo. Todo suena muy natural, muy orgánico. La tesitura sonora de la mayoría de los discos hoy en día es muy limpia, muy fría y yo para éste buscaba algo más intimista, más delicioso, más emotivo. ¿Cómo es el proceso de selección de material teniendo en cuenta que todos los temas pertenecen a otros autores pero parecen tuyos?Ja, ja. Gracias por el cumplido. En realidad, a la hora de preparar un disco voy seleccionando aquellas canciones que me significan algo. Pero, aún después de grabarlas, siguen siendo de sus autores. Yo sólo las interpreto. No compongo, no escribo música ni tengo las ganas ni la capacidad de hacerlo. Creo que hay gente mucho más talentosa que yo en ese sentido. Prefiero seguir cantando. Entonces para tu futuro tercer disco no habrá temas tuyos…Por el momento no tengo voluntad ni necesidad de componer.Además, todavía no me puse a pensar en el tercero. Segundo salió hace muy poquito, tiene apenas seis meses…¿Existe algún compositor argentino que te seduzca como para grabar algún tema de él en el futuro?Sinceramente no conozco mucho, pero uno de los motivos que me hace feliz de viajar a Argentina es poder comprar muchos discos y pedir referencias. Todavía no estoy al tanto de lo que pasa allí aunque, en verdad, no escucho mucha música. Con todo el trabajo que tengo lamentablemente no me queda tiempo para escuchar a otros artistas. Uno de los pocos momentos que tengo para escuchar algo es cuando viajo en avión. Gran parte del repertorio de Segundo lo seleccioné volando.A raíz del suceso de tu primer álbum te convertiste en una de las artistas más populares tanto dentro como fuera de Brasil. ¿Cómo es tu relación con la fama?¿Sabés? Es algo que no me puedo explicar. Constantemente me pregunto ¿por qué yo? Me halaga saber que mucha gente se emociona cuando me escucha aunque todavía no puedo entender ciertas reacciones. Creo que lo de la fama está bien, es algo simpático pero no estoy todo el tiempo pensando en eso ni es algo que interfiera en mi día a día. Lo que más me incomoda es cuando algunos medios publican mentiras. Eso es desagradable porque muchos familiares y amigos se preocupan cuando escuchan algo que, en realidad, no es cierto. Fuera de eso está todo bien. Yo no tengo esa cosa tipo Shakira que va de un lado al otro con guardaespaldas y casi no podés salir. Es lindo ser reconocida más allá de un show, más allá de un disco y no tengo problemas en recibir el saludo de los fans por la calle. ¿Cuál es el secreto para mantener una voz tan maravillosa como la tuya?¡Nuestra Señora!, no creo que sea para tanto, de todos modos muchas gracias. Yo no tengo secretos. Yo cuido mi voz como lo hace un atleta que tiene que salir a correr. Trato de dormir bien, tener una buena alimentación, cuidarme. No hay fórmulas para eso. No bebo, no fumo, no estoy en drogas. Busco la serenidad y eso me ayuda bastante. 

Pablo Cattaneo - Liliana Herrero y Juan Falú

LEGUIZAMON-CASTILLA

Liliana Herrero y Juan Falú

EPSA MUSIC-BAM Y Circo Beat (2000)

Alfredo Juan Falú es un músico y compositor Argentino, nacido en Tucumán, y reconocido en el mundo. Sus obras y participaciones con guitarristas de distintas latitudes han sido editadas en Francia, Bélgica, Brasil y, por supuesto, Argentina. Podría explayarme acerca de sus laburos con Marcelo Moguilevsky, la pianista Hilda Herrera, Laura Albarracín entre otros o su participación en las distintas ediciones del Festival Guitarras del Mundo, pero eso es materia ya conocida. En esta oportunidad quiero hablarles acerca de un trabajo (uno de los..) con Liliana Herrero, entrerriana de Villaguay, artista referencial de nuestra música a fuerza de creatividad y talento enormes. También habría material para contarles sobre la Herrero desde aquel primer disco producido por Páez en el 87, tildado como "folclore supermoderno", y que contaba entre sus colaboradores al tremendo percuta Juancho Perone, ladero del también gigante Carnota, pero creo que ya hemos conversado sobre todo esto en números anteriores. Como les decía, antes de esta pequeña dispersión, el trabajo que nos ocupa aquí se llama Leguizamón-Castilla. El disco es bellísimo. Sencillamente eso. Porque, además de las interpretaciones exactas de dos artistas como Falú y Herrero, las canciones del Cuchi y Manuel Castilla lo son. "Zamba de Lozano", "Zamba del pañuelo", la trunca "Juan del Monte" (tremenda performance de Falú) son piezas hermosas y fundamentales de nuestra música y nuestra poesía, que aquí encuentran una textura sonora que las embellece aún más. Si eso es posible. Para deleite de quienes escuchamos este disco, se intercalan audios del propio Cuchi, como la intro de la "Serenata del 900" con guitarra o "El rococo" con piano. Notable realmente Fito Páez como invitado en la elevadísima "Me voy quedando". Ya sé, es redundante todo este comentario tratándose de quiénes se trata, pero algo hay que escribir no?. Adioses.

Pablo Cattaneo - La Fija

 

 

Año 1996 y Luzbelito está en la calle. Para mí el último de una seguidilla impecable e implacable de discos. Desde Gulp! hasta luzbelo los laburos se sucedieron sin fisuras, el próximo honrando al anterior, asentándolo y aportando siempre algo más, cosa que pocas bandas han logrado. Luego vendrán "Ultimo bondi" y Momo Sampler", buenos laburos por supuesto, pero, en mi humilde opinión, no tan concretos, no tan "redondos". Claro, es una opinión subjetiva y, por ende, muy opinable y tal vez poco valedera. Lo cierto es que "Luzbelito" fue grabado en estudios de Buenos Aires, San Pablo y Fort Lauderdale. En baires y gringolandia la pericia técnica fue aportada por Mario Breuer, en tanto que en San Pablo estuvo a cargo de Néstor Madrid a quien, por otra parte, conociera mi amigo Iván Rosembluth y de quien me contara algunas datas interesantes que no vienen al caso citar aquí. Se nota la mano de estos muchachos. Suena tremendo. Si bien lo redondos nos tenían acostumbrados a un sonido excelente este disco suena tremendo. Lito Vitale participa otra vez junto a los ya clásicos Bucciarelli, Sidotti y Dawi. Terribles "Luzbelito y las Sirenas", "Nuotatori Professionisti" y "Cruz Diablo", hits: "Mariposa Pontiac" y "Blues de la Libertad". De este último se decía por ahí que fue grabado de una por el Indio y con algunas copas de más (por lo menos). Parte del fabulario ricotero tal vez. Poco relevante seguro. Preludio: "El infierno de Luzbelito es un espacio para nuestra vergüenza. Somos hijos de multivioladores muertos. Somos los hijos de puta que van a beber de sus aguas y, ya sabemos, los hijos de puta no descansan nunca", Zippo. Dos años después, 1998, ve la luz "Último Bondi a Finisterre". Es una apuesta fuerte. Cambio radical de estética visual y musical. Mucha máquina, lo que le da un sonido muy distinto. No puedo decir moderno porque los redondos siempre sonaron modernos. Simplemente distinto. La lírica aparece, según mi criterio, más críptica. Tal vez me resulte así porque es un disco que no he digerido todavía. No sé. Sinceramente no he podido escucharlo y escucharlo como sucedió y sucede con los anteriores. En fin. Además de máquinas están el sempiterno Vitale, Sergio Poli en violín y Juan Cruz Urquiza en trompeta como invitados (interesantísimos el timbre y los arreglos de trompeta). "Gualicho" es una linda canción nacida con destino de hit. "Alien Duce" me gusta particularmente. El preludio, al que nos tenían acostumbrados, también experimenta un cambio grosso. Se lo presenta como un menú de opciones cibernéticas tipo videogame titulado "Test para el Colono Virtual":#1: NO MUTAR; #2: MUTAR CUANDO SOLO ES NUEVO LO QUE HEMOS OLVIDADO; #3:MUTAR SI DIOS ES DIGITAL; #4: MUTAR SI SE PIENSA QUE EL NUEVO DIOS NOS VA A SALIR MEJOR; #5: MUTAR PORQUE NOS GUSTA EL BONI A FINISTERRE Y PORQUE VALE LA PENA LA LEYENDA DEL FUTURO". Para terminar con La Fija de los redondos nos queda Momo Sampler. Gloria Guerrero, de la revista Rolling Stone, decía: " Dios es todo (no puede progresar)", dice Patricio Rey. Pero Patricio, que no es Dios, progresa. Cualquiera hubiera esperado una cibermutación a partir de Ultimo bondi. No hubo tal cosa. Equilibrado y parejo, indiscutiblemente rocker, tan negro como brillante, este viaje es asunto de Momo, el rey del Carnaval. ). Lo que hay aquí son canciones para grandes, canciones adultas, grandes canciones.Y es un carnaval fiero: brincan tipos con gambas de polio; hay pastel de ponzoña salada y vinos gruesos, mal templados. Las chicas de Momo Sampler se muerden el labio, se empolvan la nariz y usan sus lenguas como un sable. Los tipos son, por lo general, moscones zumbones que quedaron atrapados en un vaso boca abajo. Rock & roll oscuro, con esa "oscuridad de bodega sin luz". Rock triste, esperanzado, hipotecado, cabrón, dejá vu de los buenos tiempos que no llegan nunca. Rock para esa murga desencantada, la murga sin la bendición. Los cuadrados tienen cuatro puntas. Y cada punta es fácil de encontrar. Los redondos, en cambio, siguen buscando la vuelta. Aquí, por primera vez, con hidalguía y en ceremonia pública, Patricio Rey ha reconocido finalmente a su hijo único: Eduardo Carlos Solari Beilinson. Y al babysitter: Hernán Aramberri, programador, quién con el técnico Eduardo Herrera cosió los samplers que oficiaron de colchón- y de cama de púas- para la escalofriante voz del Indio y las soberbias guitarras y bajos de Skay.". En tanto que en el "gran diario argentino" se decía del disco: "Momo Sampler es la mejor síntesis que podrían haber encontrado Los Redonditos para reflejar —en música y, sobre todo, en letras— el agobio, la pegajosa decadencia de la vida urbana. El Indio Solari y Skay, señores que orillan los 50, cabalgan sobre una angustia de sobrevivientes. Y, por más que la estética de comic —reforzada por las postales de Rocambole— trate de torcer la historia para el lado de la parodia y la representación, el cuento que aquí se cuenta es terrible. Y real. Solari eligió la palabra murga como símbolo de una desesperación fantasmal. No tiene nada que ver con el ritmo; es una palabra-concepto, que en La murga de los renegados dice Entre sopores, modorras ciegas / y oscuridad de bodega sin luz / va esa murga desencantada / que lleva siglos así... No da más!; en Murga de la Virgencita pinta de un modo brutal el escarnio de una prostituta; en Murga purga vuelve al vino malicioso (sos un moscón zumbón / que quedó atrapado / en un vaso boca abajo. La murga del Indio Solari es un desfile heroico de seres quebrados, un baldazo temático que va desde el meter bala de Ruckauf (Sheriff) hasta el retrato de una chica de las bravas (Una piba con la remera de Greenpeace....Cada vez más afilado en la metáfora, con sus palabras castizas, su lunfardo tanguero y sus neologismos encontrados en un pozo ciego cibernético, Solari se afirma como un intelectual beat de un rigor poético incomparable en el rock argentino".

Es poco lo que un perejil como yo pueda agregar a estos conceptos vertidos en medios gráficos tan importantes como los citados. Bromas aparte, me parecieron interesantes los comentarios, de alguna manera cónsonos con lo que se fue diciendo de esta banda a lo largo (quizás demasiado largo) de la sección. Nos despedimos de los redondos con el preludio de este último disco titulado "Momo Sampler: una orgía baja fidelidad". "Te prometemos que en la alegría y la risa del festival nadie osará dar una interpretación siniestra de tu repentina vuelta a la forma humana, Apuleyo".

Nos encontramos en el próximo número, en el cual comenzaremos a desandar el camino de la carrera solista de Peter Gabriel. Chau.